Si tu pasión es el séptimo arte y estás pensando en apuntarte en una escuela de cine, quédate con nosotros. En Escuela Des Arts encontrarás nuestro Máster en Dirección y Producción Cinematográfica, con el que podrás convertirte en un profesional del sector. Además, en el post de hoy te explicamos unos pocos conceptos básicos del cine que podrás entender simplemente haciendo aquello que más de gusta: ver pelis. ¿Nos acompañas? Pues vamos allá.

 

Escuela de cine: aprender desde casa

Lógicamente, para convertirte en un experto profesional del cine, la formación es un paso necesario. De ahí que te recomendemos que te matricules en nuestro máster. Aun así, hay algunos conceptos con los que puedes familiarizarte solo haciendo lo que más te gusta: viendo pelis. Y leyendo nuestro post, claro.

A continuación te explicamos algunos conceptos cinematográficos y sus efectos que puedes reconocer mirando cine:

 

  • Iluminación

La iluminación es un punto básico en la confección de una obra cinematográfica. A través de su uso, el espectador percibe unas sensaciones u otras. Además, cabe recordar que sin ella, las cámaras convencionales no serían capaces de captar las imágenes.

Principalmente, los tipos de luz en el cine se pueden dividir en dos grades bloques: la luz suave y la luz dura. Estas dos, que podrían traducirse como “poca luz” o “mucha luz”, se suelen asociar en el cine a diferentes expresiones artísticas. Por un lado, la luz suave es capaz de transmitir una imagen tranquila, pausada, asociada culturalmente al concepto del “bien”. Por otro, en cambio, la luz dura resalta contrastes y elimina los detalles de las sombras. Una iluminación claramente relacionada con la inquietud, el drama o el concepto del “mal”.

El uso de las luces de relleno (luz de contraluz y luz de relleno) se relacionan directamente con el relieve de los objetos o sujetos más cercanos a la cámara.

Una de las películas en las que podemos apreciar este efecto de luces marcadas es la famosa obra de Robert Wiene, El gabinete del Dr. Caligari.

 

  • Escenas y secuencias

Una de las bases más importantes para entender cómo funciona la producción cinematográfica. Los humanos miramos en todo momento de manera continua. Así lo hacemos también cuando vemos una película. A pesar de que esté dividida en escenas, también llamadas en el cine como secuencias, vemos la peli como un todo.

Cuantos más cortes o secuencias tenga unidas la peli, más sensación nos dará de frenesí, rapidez o fugacidad. En cambio, las escenas largas y duraderas le dan al espectador sensación de lentitud y profundidad.

Uno de los recursos más difíciles del cine es el plano secuencia. Los filmes que lo usan narran toda su historia con un solo plano que sigue la historia. Sin cortes ni cambios de escenas.

Para comprobar la sensación que nos dan las secuencias largas y los planos eternos, dadle la oportunidad a algunas de las obras más reconocidas en este aspecto: Sed de mal de Orson Welles; Birdman de Alejandro González Iñárritu o La soga del mítico Alfred Hitchcock.

 

  • Soporte de la cámara

No es lo mismo ver una imagen clara, recta y fija que una imagen temblorosa e inestable. A esta última se le llama técnica de la cámara en mano y es especialmente reconocida en el cine. Algunas de las sensaciones que produce en el espectador son confusión, vértigo y angustia. Si eres amante del género de terror, seguro que sabes de qué estamos hablando.

Este tipo de rodaje también se utiliza mucho en las obras en las que se quiere simular un documental o una grabación amateur.

Algunos de los ejemplos que se comentan en cualquier escuela de cine son la primera escena de acción de Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg o El proyecto de la Bruja de Blair, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez.

 

  • Ángulo de la cámara

La inclinación de la cámara en el momento de filmar es concepto que puedes comprender sin acudir una escuela de cine. De hecho, viendo películas podrás darte cuenta de la fuerza que tienen en una obra. El ángulo en el que se graba una escena u otra nunca es una decisión aleatoria. Se podrían definir hasta 6 tipos de ángulos de la cámara:

  • Nadir: La cámara enfoca al sujeto u obeto desde debajo de sus pies. Su uso se relaciona con imágenes dinámicas que buscan transmitir dramatismo.
  • Neutro o normal: la cámara graba en un ángulo recto. Desde la altura de sus ojos o a la altura media entre el suelo y el tamaño del objeto.
  • Picado: El objetivo de la cámara está ligeramente orientado al suelo. Los sujetos suelen ser grabados un poco por encima de sus ojos. Este tipo de ángulo da un aspecto de fragilidad especial al sujeto.
  • Cenital: La cámara está completamente vertical y graba todo lo que ocurre en el suelo o debajo de ella.
  • Subjetivo: La cámara se convierte en los ojos del sujeto, con lo que va cambiando de ángulo según lo qué el personaje mire.
  • Contrapicado: Filmación un poco por debajo de los ojos del sujeto. La cámara enfoca ligeramente hacia arriba.

Una de las obras cinematográficas en la que el ángulo de la cámara es especialmente notorio es la clásica Ciudadano Kane, de Orson Welles.

 

  • El uso del sonido

El uso del sonido y la música es un factor que en una escuela de cine no se deja de repasar. Y es que el sonido es más importante de lo que creemos en las películas. Ocurre lo mismo con el silencio. No es lo mismo ver una escena dramática en completo silencio que con unas voces en eco de fondo que emulan recuerdos.

Una de las obras más reconocidas por su buen uso del sonido es Blow Out, de Brian de Palma.